Les expos des Atlassides - janvier à juin 2005 -
(Direction artistique : Alain et Christine Gorius)
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Amina Agueznay Noureddine Amir Soumiya Jalal Mikou
exposent leurs dernières créations de bijoux, mode et textile à la galerie Les Atlassides
29 décembre 2004 au 30 janvier 2005 |
Trois créateurs du Maroc contemporain, du bijou à la création textile en passant par la haute couture, pour commencer en beauté l'année 2005. Trois artistes à part entière, deux femmes, un homme, qui témoignent de la vitalité de la création marocaine : ils revisitent l'ancestrale tradition pour mieux la réinventer en l'adaptant au bel aujourd'hui. L'exposition à ne pas manquer aux Atlassides : on y respire, subtil, raffiné, l'air du temps au Royaume de l'Extrême-Couchant. Scénographie : Hamid Fardjad.
A. G
Noureddine Amir (créations mode,
Soumiya Jalal Mikou (textiles), Amina Agueznay (bijoux)
AMINA AGUEZNAY
Composition 3
Collier Akda
“ Créatrice de bijoux réputée, Amina Agueznay fit au départ des études d’architecture aux Etats Unis. Le retour dans son Maroc natal correspondait à un désir de changer de voie.
Fille d’une artiste peintre qui collectionnait d’antiques bijoux berbères, elle créa une première collection inspirée de cette tradition. Elle trouva ensuite les chemins de sa liberté en assemblant à des œuvres issues d’un passé prestigieux des matières aussi différentes que du nacre, du corail noir, du quartz, des améthystes et plus modestement mais avec non moins de singularité, des galets et autres matières trouvées lors de ses flâneries en forêt ou sur les bords de mer.
Collier Citrine et Quartz
Collier agate
Travaillant aujourd’hui avec le styliste Noureddine Amir, elle en arrive, afin de rehausser la beauté de ses robes, à confectionner des bijoux en cannelle, en papier, en bois, toutes matières a priori vulgaires qui entre ses mains deviennent des matières nobles. Personne, en découvrant ses bijoux, ne contestera ce terme. ”
Joshka Schidlow, journaliste à Telerama
NOUREDDINE AMIR
Pour comprendre le travail de Noureddine Amir, il faut oublier tout ce que nous savons et surtout tout ce que nous croyons savoir du Maroc. La couleur locale et le folklore n’ont pas de place dans sa recherche. En revanche, la tradition en a une. Imminente, elle est à la source de son inspiration, elle laguide. Mais cette tradition raffinée et pointilleuse, Noureddine Amir la bouscule, il la malmène, il explore, sans retenue ni ménagements, toutes ses possibilités. Bref, il la force à se remettre à vivre.
Palais des Beaux Arts, Lille, 2004
S’il est novateur dans le respect des formes, c’est dans les jeux de la matière que son génie d’invention et sa verve subversive s’expriment. Ses ateliers sont un laboratyoire où l’on travaille le lin fin au henné, mais aussi des éléments aussi audacieux que les roses ou la cannelle pour leur faire prendre les formes les plus inattendues. Les plus gracieuses aussi.
Défilé haute couture,
créations de N. Amir et A. Agueznay, Palais des Beaux Arts, Lille
2004
Héritier créatif d’une tradition ancestrale, Noureddine Amir a su en tirer un courant personnel qui apporte au grand courant de la mode son tribut inimitable.
François-Olivier Rousseau
SOUMIYA JALAL MIKOU
Soumiya Mikou, création textile
Soumiya Mikou, création textile
Après l’obtention de son diplôme d’architecture en 1984, Soumiya Jalal revient au Maroc et exerce son métier d’architecte urbaniste pendant quelques années. Toutefois, au-delà de cette vocation, sa fascination pour la construction textile l’emporte. Elle décide donc de partir pour le Canada et entame une formation en tissage à l’école des métiers d’art en construction Textile de Montréal. De retour au bercail, elle met en place des formations d’artisans tisserands dans différentes régions du royaume et expose régulièrement ses œuvres dans son pays et à l’étranger.
Soumiya Mikou, création
textile
Depuis, Soumiya est devenue « maître d’art » dans cette technique toute nouvelle au Maroc. De ses œuvres découlent gaieté, joie, et euphorie. Ses inspirations sont le fruit du rêve, de la nostalgie et du sentiment ; on admire la rigueur de ses compositions. Soumiya ambitionne d’industrialiser son art et de donner au textile marocain, la possibilité d’une production en série de très grande qualité afin de promouvoir cette technique sur le plan international.
Soumiya Mikou, création textile
Le soir du vernissage. On reconnaît
le directeur du Musée Guggenheim, New York,
le directeur des Arts plastiques au ministère français
de la Culture, M. M'talsi, de l'Institut du Monde Arabe...
parmi les personnalités présentes.
Noureddine Amir, interviewé par
2M.
Vernissage rehaussé par le chant
de Françoise Atlan.
Au mur, quatre papiers de Claude Bellegarde.
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Kamal Lahbabi aux Atlassides
Le Coffre de la mariée Etoffes d’émail
26 février au 30 mars 2005 |
céramique, 100 x100 cm
Robe bleu et or, céramique,
50 x 43 cm
Lahbabi, céramiste et peintre
Certes la céramique est un art pratiqué depuis des siècles en Afrique du Nord. Depuis Volubilis jusqu’aux zelliges de la haute époque, et jusqu’à aujourd’hui, le carrelage a embelli les demeures de tout le Maghreb.
Avec Kamal Lahbabi, architecte devenu maître-céramiste par passion, la donne change : le céramiste n’est plus artisan reproduisant le motif immuable, mais artiste à part entière : il peint en céramique, et chacune de ses pièces est unique. Autant de compositions, autant de tableaux différents. Cependant les créations de Kamal Lahbabi ont cet avantage, par rapport aux travaux sur toile, qu’elles dureront bien mille ou deux mille ans — sauf cas de force majeure ; et sans doute tellurique.
Voici un artiste dont les œuvres, délicatement figuratives mais contemporaines dans leur agencement, enchantent le regard et l’esprit : chacune d’entre elles raconte une histoire ; quand elles sont rassemblées, c’est un conte qui se déploie sous nos yeux. Aujourd’hui, Kamal Lahbabi nous propose, en céramique, l’histoire de la mariée, et de ses somptueux atours — qui enchanteront les belles demeures de ce côté-ci de la Méditerranée. Avec lui, l’antique carrelage retrouve ses lettres de noblesse, redevenant création plastique pleine et entière. Du passé et de ses prestiges jusqu’au bel aujourd’hui, Lahbabi sait renouer le fil.
Alain GORIUS
“Dans le décor de la mémoire, la céramique est là, lumière pétrifiée, épiderme vivant d’un corps inerte, fascinant de luxe et de mystère. Présence d’un art qui n’évoque ni les cieux, ni les chimères, mais la vie ; où parfois même l’empreinte du temps et des hommes s’efface sans laisser de trace.
Un art pas seulement contemplé, mais vécu. Une œuvre qui prend ses racines dans la Terre, le Feu et l’Eau.
Kamal LAHBABI
Lahbabi l’alchimiste
Au plus proche des métaphores (la soif de la terre, la cruelle parodie de l’eau qu’est le sable ; le labyrinthe ébauché par l’écriture noyée des dunes, la ville qui, par la réitération d’un motif, unifierait la solitude et la multitude; le voile d’une silhouette et la minéralité des murs ; la couleur, comme une goutte d’eau cristallisée par le feu), le céramiste est ramené, au sens littéral, à même la terre, là où les architectures s’effondrent, se recommencent, rêvées sur des terres planes. Etre toujours plus près du recommencement.
Il y a de l’alchimiste chez Kamal Lahbabi, un alchimiste qui n’en finit pas d’être surpris par une couleur inattendue et pourtant prévue, amoureux d’un détail, pris et repris tel un oasis fastueux et illusoire comme si les transmutations se devraient d’être toujours en cours. Souvent une scène familière : un homme attablé, clos dans une solitude tranquille. Il nous arrive de loin, l’émail fermant les porosités de “ volcan éteint ” qui semblent encore nous le confisquer.
Il apparaît, n’en finit pas de nous apparaître, incendie qui se déclare sans se produire, brèves transmutations toujours au bord de sa révélation.
L’attente se fait durée. Temps de l’attente de cette solitude, ou de ce visage féminin que le regard, le parcourant, a l’illusion de recréer, mais que la pellicule de la couleur, comme du temps durci, nous met en demeure de toucher. Qu’un corps nu s’éploie, enracinant une de ses mains à la liane d’une rivière, son espace est la nostalgie qui nous habite ; nous en caressons les parois lisses.
Et de l’espace où nous nous mouvons, Kamal Lahbabi, sur la surface plane, nous livre les reflets de lumière, presque capturée, où miroitent les années nécessaires à nous parvenir, dans l’exil dévoilé, à distance, de la lumière qui nous entoure. Il m’est arrivé de voir un homme, sculpté, oui : à trois dimensions, oui : “sauvé” des métaphores de la terre assoiffée : chapeau sur la tête, tête inclinée, jambes lourdes ; il était là, surpris, échappé, à la dérive, comme en état de lévitation, comme s’il était le siège d’un vent permanent interne, à découvert, avide d’espace et veuf de la terre.
Jean SIGNORET
K. Lahbabi vit
et travaille à Paris. Il a recréé à l’identique
des carreaux du 16è siècle pour les musées de France,
et participé à la restauration des céramiques du
Château d’Ecouen, musée de la Renaissance.
Il a également créé des collections pour l’usine
de céramique “Céramicor” (Oise).
1967-1974 Beaux Arts - Paris (Architecture) 1982 Exposition à Dallas (USA) ; Exposition “Mehr Licht”, Académie I - Paris 1983 Art Mural en France - Musée du Palais du Luxembourg, Paris 1984 Jeune Peinture - Grand Palais, Paris 1990 Musée des Arts Africains et Océaniens, Paris 1993 Galerie Alif Ba - Casablanca 1994 Galerie Les Orients, Paris 1995 Galerie Nadar, Casablanca 2000 Galerie Al Manar, Casablanca 2002 Musée de Marrakech (Fondation O. Benjelloun), Marrakech
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Francesca Brenda aux Atlassides Vernissage
vendredi 22 avril, 19 heures |
Sans titre, 160
x 160 cm, 2005
Née d'une famille d'artistes, Francesca Brenda
se passionne dès son plus jeune âge pour la peinture, héritage de son
père, originaire de Curaçao. De mère française, elle est élevée à Bogota
par sa grand-mère colombienne. Dès son adolescence elle prend conscience
des violentes contradictions de cette société extrême, et participe
aux mouvements destinés à faire évoluer les disparités flagrantes.
Obligée de quitter rapidement le pays, elle se réfugie au Costa-Rica,
voyage en Amérique centrale, en Europe, au Liban, au Maroc, en Egypte,
et à Hong-Kong.
Elle s'imprègne des couleurs chatoyantes ou contrastées mais surtout
du choc des cultures et des peuples, des conflits violents ou latents,
de la douleur ou des joies intenses. Qui mieux qu'un regard souligné
par la violence d'un trait ou le choc d'une couleur peut mieux exprimer
à la fois l'espoir, la haine, l'amour, la joie, le machisme ou l'attente
de l'autre ? Parfois même certains de ces personnages entrent ou sortent
de la toile comme un clin d'œil à les suivre, comme une invite.
Aujourd'hui installée à Paris, elle nous offre une peinture de l'instant.
Ces regards intenses révélés par un trait vif, presque tranchant. Ces
visages nous interpellent, nous regardent aussi. Sont-ils espiègles,
rieurs, jaloux, amoureux, ambigus… ? Déstructurés, ils nous surprennent
autant qu'ils nous ravissent. Et c'est emportés par l'amplitude de son
geste que nous arrivons aux portes de l'abstraction.
sans titre, 120 x 120
cm, 2005
Francesca a un rapport charnel avec la toile
blanche de son futur tableau. Elle la prépare longuement, à l'ancienne,
la tend sur le châssis, passe plusieurs couches de colle de peau de
lapin et la blanchit tout en étant attentive à laisser apparaître la
trame du tissu, qui doit faire partie de l'ensemble. Ce travail dure
deux à trois jours entre séchages et nouvelles couches. Ensuite la toile
blanche la fascine longtemps avant qu'elle ne commence à peindre. Elle
semble faire le vide, rassembler ses forces et ses émotions avant de
se lancer dans l'aventure de la création.
Puis la toile, tendue sur son châssis, est posée à plat sur le sol,
et le travail commence. Accroupie devant ou tournant autour de la surface
vide, le geste est rapide, parfois violent ou doux, rond ou pointu.
La danse s'apaise. Un long moment se passe à regarder l'esquisse. L'expression
qu'elle a voulu jeter sur la toile est-elle assez forte, assez juste
? Elle peaufine. L'alchimie s'est-elle accomplie ? Souvent le premier
jet est le plus vrai, le plus sensible… Le temps passe, elle continue
à tourner autour. Y a-t-il un mouvement de trop, qui perturbe l'émotion,
qui l'affaiblit ? La question peut se poser une heure, une journée,
une semaine… si le moindre soupçon d'ennui apparaît, si les personnages
ne " parlent " pas assez fort, la toile est détruite. Ils
ne sont pas faits pour décorer mais pour habiter la pièce ; et pour
cela ils n'ont pas le droit de lasser ceux avec qui ils vivent. Pas
question de faire tapisserie ; et ils le disent.
F. Brenda, Paris (photo Ch.
Gorius)
Francesca aux Atlassides (photo A. Gorius)
Ilias SELFATI
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vernissage le samedi 30 avril à 19 h
du 30 avril au 18 juin 2005
Une figuration poétique
Ilias Selfati n'est pas inconnu à Marrakech (il a participé, l'été dernier,
à une exposition collective aux Atlassides) - mais on le connaît surtout
dans le Nord: né à Tanger, il a étudié les Beaux Arts à Tétouan et à
Madrid. Il travaille aujourd'hui en Espagne, après avoir vécu à Paris,
à Dublin, à Los Angeles, à New York… Sa peinture est figurative
- mais d'une figuration allusive et poétique ; rien à voir avec les
mornes représentations où s'engluent tant de pinceaux. Adepte de la
transparence, de la coulure, du nuage et de la fleur, qu'une tache suffit
à suggérer, Selfati sait donner à rêver ; ses "Forêts" traversées
de chevaux blancs sont énigmatiques et aériennes. "Il y a d'autres
mondes, mais ils sont dans celui-ci", a dit le poète : les toiles
de Selfati donnent à voir une Nature neuve, que recompose une rêverie
des origines. Voilà un artiste dont la démarche est vraiment contemporaine
- sa peinture, ses forêts et ses mustangs ignorent superbement toutes
les frontières.
Alain Gorius
Geste et signe
Il était une fois un homme qui montait à cheval. Il traversait des paysages,
somptueux ou arides, sauvages ou limpides. L'homme à cheval eut un fils.
Des années plus tard, celui-ci se souvient, et du cheval et des paysages.
Ils étaient enfouis dans son cœur. Ils ont grandi et se sont multipliés.
Il se pourrait que cette histoire soit vraie. En témoignent certains tableaux de Selfati, les plus anciens que je connais. La mémoire et l'imaginaire ont tout transformé. Les tableaux apparaissent dans un alphabet pictural original et autonome.
Les chevaux blancs se cherchent dans la forêt et s'égarent dans les ombres. Lentement, ils disparaissent, deviennent des taches, des nuages, des fleurs.
Dès le départ, les tableaux ont plusieurs sens : les chevaux sont-ils dans la forêt, dans le désert, sous la pluie ? Quelles sont les étranges formes sombres qui les accompagnent ? Comment s'habillent-ils par moments de fleurs ? Des arbres se transforment en pavots. Derrière eux, des grenouilles se délectent, un cheval devient squelette. Lentement coule une musique sur les rythmes de Steve Reich.
La peinture de Selfati parle toutes ses langues à la fois. Il est impossible
de les séparer. Le sujet crée le langage et celui-ci est inventé par
l'artiste. C'est une spirale qui surgit de l'intérieur et qui fait basculer
le ciel sur la terre. L'exploration est continuelle. La mémoire se construit
en couleurs. Un récit fictif avance dans la forêt. Le narrateur a choisi
de s'y perdre. Des bruits résonnent derrière lui, cachés derrière les
arbres. Ils sont intérieurs. Les chevaux se souviennent. Ils inventent
des histoires qui se métamorphosent.
Il ne faut pas essayer d'inscrire les tableaux de Selfati dans un système de références artistiques. Tout est parfaitement instantané même si, simultanément, tout glisse en continuité, sans répit, dans un espace serein.
Dans le vaste éventail de l'art contemporain, Selfati s'est taillé une place personnelle. Son alphabet est composé aussi bien d'éléments figuratifs que de taches, de coulées, de traits.
Dans la plupart de ses tableaux, un animal central préside aux destinées de l'image. Il s'installe immédiatement après la préparation de la toile. Il se cache comme la mariée sous son voile. Il est poisson, grenouille ou squelette de cheval. Ailleurs, ce sont des noms de villes, des calligraphies, des jeux de fleurs. C'est le territoire des solitaires dans un silence qui parle.
Tout devant, donc après les deux premières surfaces de peinture, existe
le champ opérationnel. C'est un terrain planté de chevaux, d'arbres,
d'arbres-fleurs, de fleurs gonflées, de tiges à fleurs, de coqs, de
guirlandes hallucinogènes, de taches de bêtes, de rideaux de coulées
de chairs presque carbonisées. Tout le monde est là dans l'urgence de
regarder en face et de se répéter dans le sujet et les gestes du peintre.
Inlassablement : sept fois, treize fois, trente fois le geste vers l'autre,
l'inconnu, vers l'infini qu'il est impossible de baliser.
Si aujourd'hui, Selfati revient au cheval dans son unicité, c'est parce qu'il le considère comme la métaphore de l'homme. Dans son corps il transporte les facettes précieuses de la vie. La sensualité y règne. L'imaginaire y dépose des traces précises en rébus.
Intimement le mystère ouvre ses fenêtres. Y pénétrer est une grande jouissance, car geste et signe se trouvent un équilibre singulier.
Jean-Pierre Van Tieghem
(Association Internationale des Critiques d'Art)
Ilias Selfati, trente-huit ans, vit et travaille à Madrid.
FORMATION
Diplôme de l'Ecole des Beaux
Arts, Tétouan, 1991
Formation aux techniques de l'Estampe, Faculté des Beaux Arts, UCM,
Madrid (1992 - 1994)
Cours de sérigraphie, Ecole des Arts graphiques, Madrid (1993)
ATELIERS
Séjour à la Cité des Arts, Paris (2001 ; 2003) ; Moussem culturel international d'Asilah (2000, 2003, 2004) ; Atelier de gravure avec Omar Khalil, Soudan/USA (2000) ; Atelier de Peinture avec Mohammed Melehi, Maroc (2000) ; Atelier de Peinture avec Mitsuo Miura, Faculté des Beaux Arts, UCM, Madrid (1993) ; Atelier de Peinture avec José Hernandez, UCM, L'Escorial, 1993 ; Atelier de gravure, UCM, Torrelodones (1992) ; Atelier de gravure, Festival d'Art d'Asilah (1987-1991) ; Atelier de gravure, Centre culturel français, Tétouan (1988).
Ilias Selfati et Antoni
Tapiés
DISTINCTIONS / BIENNALES
Mention d'honneur au Prix National de Lithographie, Madrid (2000) ; Sélectionné pour le Prix Européen de Peinture, Ville d'Ostende, Belgique (2000) ; Prix de Peinture "Penser avec les mains", Institut Cervantès, Maroc (2000) ; Sélectionné pour le Prix de Gravure de la Caja Madrid, Génération 2000, Madrid (2000)...
Ilias Selfati (droite) et
P. Schnabel
EXPOSITIONS INDIVIDUELLES
2004 Musée d'Art contemporain, Tanger ; Galerie Delacroix, Tanger 2003 Hôtel d'Albret, Ville de Paris ; Galerie Las Rosas, Madrid ; Galerie Gravura, Malaga; Cité des Arts, Paris 2002 Galerie Al Manar, Casablanca 2001 Caja Madrid (Madrid Savings & Loans, Madrid ; Cité des Arts, Paris ; Stadt-und Universitäts Bibliothek, Bern (Suisse) 2000 Musée d'Art contemporain, Tanger ; Galerie Estudio Fuentes, Madrid 1999 Signal Art Center, Bray, Irlande 1997 Arcadia Gallery California, Los Angeles, USA 1989 Hommage à Henri Matisse, Villa de France, Tanger 1987 Centre culturel espagnol, Tanger
EXPOSITIONS COLLECTIVES RECENTES (SELECTION)
2004 Galerie Las Rosas, Madrid ; Galerie Dasto, Oviedo ; Centre d'Art Casa Duto, Oviedo ; Bibliothèque Nationale, Madrid ; Galerie Bab El Kbir, Rabat ; "Maroc contemporain", Amiens ; Galerie Les Atlassides, Marrakech 2003 Cité des Arts, Paris ; Musée de la Ville de Madrid ; Galerie Delacroix, Tanger 2001 VIIè Salon des Artistes européens, Paris ; Espace Lasri, Paris ; Institut égyptien, Paris ; Cité des Arts, Paris
MUSEES ET COLLECTIONS
Cabinet des Estampes, Académie royale des Beaux Arts, Madrid ; Musée de la Légation américaine à Tanger ; Centre africain, Madrid ; Bibliothèque Nationale, Madrid ; Musée municipal, Orense, Espagne ; Musée d'Art graphique, Ibiza, Espagne ; Musées d'Art graphique moderne de Marbella et de Malaga, Espagne ; Bibliothèque Nationale, Département d'Art graphique, Paris ; Musée d'Art graphique moderne, Gizeh, Egypte ; Institut français, Tanger ; Bibliothèque espagnole, Tanger; Musée d'Art moderne, Tanger.
